Warhol, Haring o Hockney hanno reso l'arte migliore nel suo complesso? Nessuno può dirlo con certezza e forse è proprio questo il punto. Ma siamo abbastanza sicuri che questi li farebbero guardare due volte. La Pop Art si è materializzata a New York e Londra a metà degli anni '50 ed è diventata lo stile d'avanguardia dominante fino alla fine degli anni '60. È ampiamente considerata la discendente del Dadaismo, data la posizione satirica che assume nei confronti del mondo dell'arte consolidato, appropriandosi di immagini dalla strada, dal supermercato, dai mass media e presentandole come arte in sé. Il lavoro è caratterizzato da audaci composizioni di immagini quotidiane - fortemente dipendenti dalla cultura televisiva e cinematografica - con colori vivaci. Aveva un'atmosfera alla moda e "attuale" che sfumava la linea tra le arti commerciali e le belle arti. In un'epoca in cui il critico d'arte onnisciente poteva fare o distruggere la nuova arte con la sua opinione scritta sul vernissage di ieri, la glorificazione delle lattine di zuppa, delle strisce comiche e degli hamburger allo status di belle arti era semplicemente scioccante per l'establishment. Ma era proprio questo il punto. La Pop Art semplicemente non si curava dei critici. Gli artisti capivano che fama, riconoscimento e denaro potevano essere ottenuti indipendentemente da ciò che una recensione acida poteva dire su di loro e sul loro lavoro. E contrariamente all'establishment dei critici e al pubblico delle gallerie veterane, il resto del mondo vedeva qualcosa che poteva comprendere e a cui poteva relazionarsi. La rivoluzione della Pop Art è stata la democratizzazione dell'arte al di là delle gallerie snob. Ora, Warhol, Haring o Hockney hanno reso l'arte migliore nel suo complesso? Nessuno può dirlo con certezza e forse è proprio questo il punto. Ma, 60 anni dopo, la loro influenza e quella di altri artisti pop è facilmente visibile in quasi ogni aspetto della società moderna.